Tácticas de resistencia del star system femenino español
[subtitle] => [descriptionhtml] =>A través de una joven generación de actrices que imaginaron nuevos modos de ser mujer desde la indisciplina y la liberación de sus cuerpos, este libro invita a revisar el periodo convulso de la transición democrática en España. La historia del cine español rara vez ha estudiado esta energía creativa, ni la repercusión que tuvieron estas actrices en la sociedad al prefigurar nuevas formas activas del deseo y provocar desajustes y rupturas morales y sexuales. En primer lugar, se analiza cómo, atrapadas a menudo en tramas ambivalentes y expuestas a una cámara ambigua o claramente victimizadas, las actrices supieron inventar fugaces tácticas de resistencia y configuraron un star system femenino inseparable de las promesas democráticas y de las luchas feministas. También se reconoce en ellas el deseo de experimentar unas libertades más intuidas que reales, así como la radicalidad de aquellas figuras de la disidencia (niñas, amas de casa, trabajadoras, artistas y quinquilleras) que se revelan como claves en la nueva contracultura. La publicación culmina con el retrato de diez actrices (Ana Belén, Ángela Molina, Victoria Abril, Carmen Maura, Ana Torrent, Charo López, Amparo Muñoz, Assumpta Serna, Rafaela Aparicio y Verónica Forqué) que transformaron para siempre la representación de las mujeres, y no solo en el cine español.
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José Carlos Plaza, el director de escena más galardonado de su generación, abre las puertas de su conocimiento en este libro, un tesoro para profesionales y un testimonio único para todo interesado en el proceso de creación y en el oficio de contar historias, para dejar que el lector entre en lo que considera más secreto: el ensayo de una obra de teatro. Ese momento medio mágico, medio científico, en que un texto escrito pasa a «hacerse carne» se nos desvela aquí de la mano de un hombre que ha pasado su vida dirigiendo espectáculos. Con juegos, anécdotas y análisis de texto inéditos, el libro revela tanto el laborioso entrenamiento de actores y actrices como el placer que significa vivir una situación imaginaria, y abandonar un yo más pequeño para revelar su inmenso yo creador. El objetivo: conseguir que el espectador salga transformado de una función teatral.
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Desde su primera película, Agnès Varda navegó a contracorriente, ajena a modas y tendencias. Amante del arte, concibió un cine intimista, personal, comprometido, en el que plasmó cuestiones sobre la memoria, el paso del tiempo, la vejez o la muerte, pero también reflexiones sobre la imagen, la creación artística o el propio cine. Su obra transita entre el diario de viaje, el puzle, el collage, el atlas y esa sensación de work in progress (enfatizada por la ausencia de la palabra "fin") que no solo desprenden sus películas, sino también su obra fotográfica, sus videoinstalaciones, sus escritos o las ediciones de sus films en DVD que ella misma supervisaba. Al explorar su maravillosa trayectoria, Carlos Tejeda nos revela cómo Varda dejó espacio al divertimento, al azar, a la metáfora y a los juegos fonéticos o visuales, así como su constante búsqueda, desde la sencillez, de lo extraordinario en lo ordinario.
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[descripcion_libro] => Los discursos dominantes sobre la Transición española aluden a ella como un proceso modélico de nuestra historia. Sin embargo, más que un proyecto pautado y consensuado fue una compleja y vertiginosa sucesión de acontecimientos que impulsaron grandes transformaciones políticas, sociales y culturales. Esos cambios quedaron plasmados en una serie de valiosas imágenes, que, gracias a su poder testimonial, conformaron un universo visual radicalmente distinto al del franquismo. Sin duda, esas nuevas realidades fueron retratadas desde muy diversos ámbitos: literatura, cine, teatro, artes plásticas, cómic..., pero la fotografía, y especialmente el fotoperiodismo, se convirtió en un cronista privilegiado. A ello contribuyó una generación de fotógrafos con un nuevo enfoque, como Guillermo Armengol, Manel Armengol, Pilar Aymerich, Carlos Bosch, Xosé Castro, Colita, Chema Conesa, Paco Elvira, Marisa Flórez, Antonio Gabriel, Germán Gallego, Manuel Hernández de León, Félix Lorrio, César Lucas, Ricardo Martín, Volkhart Müller, Andrés Palomino, Bernardo Pérez, Manuel Pérez Barriopedro, Benito Román, Juan Santiso, Antonio Suárez y un extenso etcétera. Ahora, estas imágenes son poderosos instrumentos de evocación para reconstruir el tiempo del que surgieron. Por eso, más que una historia visual o una crónica en imágenes de la Transición, este libro explora cómo los acontecimientos, las imágenes y la memoria colectiva se entretejen para conformar nuestra visión del pasado.
ESTA OBRA HA RECIBIDO UNA AYUDA DEL MINISTERIO DE CULTURA, A TRAVÉS DE LA DIRECCIÓN GENERAL DEL LIBRO, DEL CÓMIC Y DE LA LECTURA.
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Elisa McCausland, periodista, crítica, comisaria e investigadora, y Diego Salgado, crítico de cine y divulgador cultural, reflexionan desde hace casi veinte años sobre los sentidos, contextos y potenciales de la cultura popular, en particular el cine y el cómic. Mientras Salgado ha mostrado un interés especial por la naturaleza de la imagen contemporánea, McCausland ha estudiado tanto las intersecciones entre feminismo y pop como el arquetipo de la superheroína, argumentos que confluyeron en su primer libro \"Wonder Woman: el feminismo como superpoder\" (2017). Son promotores y miembros de la Cátedra ECC-UAH de Investigación y Cultura del Cómic y autores conjuntos de los ensayos \"Supernovas: una historia feminista de la ciencia ficción audiovisual\" (2019), \"Sueños y fábulas: historia de Vértigo\" (2022) y \"Beso negro: brujería, cine y cultura pop\" (2023).
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[descripcion_libro] => En apenas una generación, el tiempo que va desde la aparición de la oferta comercial de televisión en 1990, hasta la actualidad, el medio televisivo ha cambiado tan profundamente que hace irreconocible las formas y las prácticas que conocíamos hace tan solo dos décadas. Algunos hablan incluso de postelevisión atendiendo a las \"tablets\" individuales en que se pueden ver los espacios de la televisión y la colaboración del medio con las redes sociales.
Todo es distinto. Y por supuesto lo son las representaciones sociales y culturales armadas desde el medio. Este volumen se concibe como una mirada sobre las transformaciones y en especial sobre las estrategias comerciales y también políticas que ligan los programas a la sociedad.
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Si \"Gran Hermano\" ha sido, en las dos primeras décadas de este siglo, el formato estrella del espectáculo televisivo de lo real, parece conveniente preguntarse qué ha supuesto su novedad en la historia del espectáculo, cuáles han sido sus efectos (psicológicos y antropológicos) en la cultura contemporánea. Y más concretamente: ¿qué tipo de experiencia subjetiva es la que hace el espectador de \"Gran Hermano\"? ¿En qué medida esa experiencia subjetiva afecta a su percepción de la realidad? ¿Cuáles son los focos de goce que le ligan a él?
Especial luz a estos interrogantes arroja uno de los más notables fenómenos acaecidos en los últimos años en el ámbito de la ficción audiovisual y que se encuentra hoy en su apogeo: la irrupción, en esta, de los rasgos mayores del formato \"Gran Hermano\". Nada lo manifiesta mejor que el extraordinario éxito obtenido por \"El juego del calamar\", serie que constituye la cristalización más expresiva de la colonización de la ficción por sus modos visuales, escenográficos, espectatoriales y narrativos.
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Jamás un estudio académico dedicado a los cómics había compilado tan gran número de vistosas ilustraciones, que van desde finales del siglo pasado hasta nuestros días. Ello hace que este libro se pueda leer secuencialmente, se pueda consultar gracias a su ordenación sistemática y su índice de materias, o se puedan recorrer con espíritu lúdico y curioso a la vez, dada la amenidad y rareza de muchas de las imágenes compiladas. A través de este corpus enciclopédico se demuestra que algunas convenciones semióticas y estéticas de los cómics proceden de otros medios de expresión anteriores (como la pintura, la caricatura o la novela), mientras que otras constituyen acuñaciones específicas, que revelan el ingenio de los dibujantes y la sagaz complicidad de sus lectores populares.
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[descripcion_libro] => Pintura y cómic son dos disciplinas artísticas íntimamente ligadas. El llamado noveno arte se inspira y homenajea a las obras maestras de los grandes pintores en viñetas e ilustraciones de portadas. El modo de lograrlo es muy variado. En ocasiones, el dibujante de cómic reproduce la obra pictórica de la manera más fidedigna posible. En otras, imita la composición de las figuras de un determinado cuadro, sustituyéndolas por los personajes protagonistas del cómic. Finalmente, también existen citas estilísticas en las que la imagen de cómic posee una relación muy débil con una pintura concreta, pero que imita a la perfección la técnica pictórica y el uso de la luz y del color de un determinado lienzo, estableciendo así la conexión entre ambas obras.
De este modo, se ponen de manifiesto \"afinidades secretas\" que ofrecen respuestas a cuestiones tan interesantes como: ¿Cuáles son los pintores y movimientos pictóricos que más han influido estilísticamente en la historia del cómic? ¿Existe una corriente o tendencia en el mercado del cómic de las últimas décadas que pretende explorar esta relación a través de la producción de novelas gráficas y sagas protagonizadas por pintores como Da Vinci, Picasso, Lautrec, Van Gogh o Rembrandt? ¿Cómo se acercan los grandes museos de arte internacionales al mundo de la ilustración y el cómic contemporáneo?
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[descripcion_libro] => Este libro es una compilación de textos del escritor y cineasta Manuel Gutiérrez Aragón, un hombre siempre renuente a hablar de sí o de sus películas y novelas. De hecho, en esta treintena de piezas de distinto tamaño y pretensiones no hay más de media docena donde realmente hable de su carrera de cinco décadas filmando o escribiendo. Pero, en realidad, el lector no debe preocuparse, porque si se trata de conocer la identidad creadora, el mundo de ideas, recuerdos, valores u obsesiones del artista, ello emerge tanto cuando los textos tratan sobre sí como cuando se refieren a otros. Cronológicamente, Manuel Gutiérrez Aragón ha sido primero director de cine y luego novelista, pero en su memoria de los años universitarios se ve a sí mismo en orden inverso como un \"joven escritor reconvertido en aprendiz de cineasta\". No tiene importancia, hay muchos casos de creadores que siguieron ese mismo orden. En este libro el cine está presente como el aire que nos rodea, pero Manuel Gutiérrez Aragón no es un cinéfilo que solo hable de cine. Sus reflexiones de adulto (no siempre ni necesariamente como cineasta) carecen de todo ensimismamiento y en ellas el cine entra en diálogo con otras formas expresivas (idioma, novela, teatro, pintura, música) y con realidades cotidianas (viajes, amistades, comidas). Ahí emerge la personalidad de un creador, que siempre está mucho más allá de su destreza profesional o el valor de sus obras, y permite que atisbemos su forma de ser y estar en el mundo.
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paralela al creciente interés de académicos e investigadores por el cine de lo real. A pesar del incremento de publicaciones en este ámbito,
la bibliografía sobre documental aún contaba con una asignatura pendiente: ofrecer al lector interesado un volumen que recogiese una reactualización historiográfica de estos cines desde sus inicios hasta la actualidad. \"El documental en España. Historia, estética e identidad\" constituye una aportación significativa, proponiendo una genealogía de las prácticas documentales desde una perspectiva transversal. Los textos que conforman este libro se articulan en torno a cinco grandes bloques basados en criterios histórico-políticos, socioculturales y estético-formales e industriales, entre otros. Esta publicación se ha concebido a su vez privilegiando la diversidad y la riqueza cultural e identitaria del Estado español, presente en los distintos capítulos. El conjunto de autores reunidos en estas páginas responde
también a este carácter diverso, no solo en lo geográfico, sino en la heterogeneidad de sus perfiles, que combinan en ocasiones la investigación con la realización o la programación de cine documental. \"El documental en España. Historia, estética e identidad\" se presenta al lector inquieto como un volumen versátil que compila y amplía el conocimiento sobre la materia y dirige una mirada poliédrica a la historia y la sociedad españolas desde el cine de no-ficción. Este libro no pretende ser una contribución definitiva, sino un humilde pero ambicioso estado de la cuestión que estimule el surgimiento de muchos otros trabajos complementarios en el futuro. En definitiva, un diálogo abierto con quien reciba este volumen en sus manos con actitud curiosa.
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Enmarcado por la teoría de cine y el pensamiento filosófico, este libro sigue las huellas de estos antecedentes para analizar la obra de una serie de cineastas poco estudiados y no canónicos con el propósito de llevar el debate sobre el cine hacia unos horizontes críticos alternativos más cosmopolitas y complejos. En la época de lo posnacional y lo poscinemático, este volumen plantea un reto al discurso historiográfico tradicional y pone en tela de juicio el concepto de «cine nacional» y cuestiones formales de la práctica fílmica.
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[descriptionhtml] => El prestigio como cineasta de Claude Lanzmann (1925-2018) está inevitablemente asociado a Shoah, la obra maestra de 1985. Supone, en efecto, una creación de referencia tanto por su propuesta de representación de lo en primera instancia irrepresentable (el exterminio nazi de los judíos de Europa), cuanto por la teorización subyacente de la problemática de la imagen en el mundo contemporáneo. Sin embargo, la cinematografía de Lanzmann es mucho más vasta: un total de nueve películas que abordan los dos acontecimientos capitales del judaísmo en el siglo XX, la Shoah y el Estado de Israel. Este libro, partiendo de esa dualidad y del modo en que determinó la biografía del cineasta, propone un análisis pormenorizado, filme a filme, del conjunto de la producción del realizador francés. El recorrido permite detectar las tensiones estéticas pero también ético-políticas que atraviesan una filmografía renovadora y polémica. Por fin, una obra que da cuenta de todo Lanzmann.
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[descripcion_libro] => Durante los años setenta, ochenta y noventa del siglo XX, e incluso en la primera década del xxi, el escritor, realizador y productor Augusto M. Torres dialoga con destacados cineastas mundiales. En \"21 cineastas españoles (entrevistas)\" reúne una variada selección con directores, guionistas, productores, actores y técnicos para construir un peculiar, original y coherente dibujo del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Desde el olvidado de la más dura posguerra y el interesante de los años de la Transición hasta el nacido de la política cinematográfica de los socialistas. Una visión alejada de lo tradicional, lo habitual, lo siempre considerado políticamente correcto, que suele aparecer reflejado en las historias del cine. Un conjunto de entrevistas donde diversos profesionales hablan de su vida, sus películas y su relación con un medio tan específico como el cinematográfico. Realizadas en momentos especiales de las respectivas carreras, están prologadas por originales retratos y trayectorias de cada uno, además de una sucesión de consideraciones sobre las relaciones del entrevistador con el entrevistado y de estos con un cine tan específico como es el español durante esas décadas.
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Ciudadano comprometido con su tiempo y con su país, con la causa de la democracia y con la defensa de sus ideas, partícipe activo en todos los foros e iniciativas progresistas del tejido social y profesional de la España que combate contra la dictadura franquista, Bardem y su obra son el germen del cine español moderno y un ejemplo permanente de coraje civil, cultural y profesional.
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En \"El tercer siglo. 20 años de cine contemporáneo\" podemos encontrar las extensas críticas aparecidas a lo largo de las dos últimas décadas en la revista \"Letras Libres\", centrándose el autor en la producción cinematográfica del comienzo de este tercer siglo que ya atesora grandes logros y en el que, como dice el propio Molina Foix, los dioses del olimpo cinematográfico han cambiado.
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[descripcion_libro] => En uno de los párrafos más significativos de sus Memorias póstumas, \"Del cine y otros amores\", Julio Diamante afirma que \"el cine es mímesis: reproducción, representación, imitación, expresión. Ver, escuchar, leer, vivir y percibir la vida, en una continua reflexión dialéctica, para mediante formas cinematográficas recrear la vida, debe ser para un hombre de cine la ley más válida\". Toda una declaración de principios, que complementa con su repetida convicción de que \"amo el cine como hecho de cultura e instrumento de libertad\", para unirse a Luis Buñuel al sostener que \"un film puede ser bueno, mediocre o pésimo, pero nunca debe estar realizado contra la conciencia, los pensamientos o la ideología del autor (Fernando Lara).
Este libro va acompañado de \"La memoria rebelde\", última película documental realizada en 2012, donde diferentes personalidades de nuestro país como Rafael Azcona, Marcos Ana, José Antonio Martín Pallín, Gonzalo Puente Ojea, Carlos Jiménez Villarejo, Santiago Carrillo, Rosa Regàs, Pilar Bardem, entre otros, hablan del franquismo y de la Transición y de cómo vivieron aquellos años de lucha por la democracia.
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[descripcion_libro] => Unión Radio fue el primer gran proyecto radiofónico español, nacido en 1924 y respaldado por las principales compañías internacionales, de la británica Marconi a las americanas General Electric y RCA, la Tudor francesa o la AFA alemana. Su objetivo, que cumplió en sus 14 años de existencia, fue crear una cadena de emisoras locales en torno a una cabecera potente, su emisora principal, la madrileña Unión Radio, que comenzó a emitir en junio de 1925.
Desde su nacimiento, Unión Radio, instalada en la Gran Vía, fue la voz y el reflejo de una época apasionante, de gran efervescencia creativa, de cambios políticos y sociales. En sus estudios coincidieron Gómez de la Serna, Benavente, Jardiel Poncela, García Lorca, Alberti, Joaquín Turina, Igor Stravinsky, Miguel Fleta, los Halffter, Victoria Kent, Clara Campoamor, La Argentinita y muchos otros, pero también personajes ahora olvidados que concibieron muchos de los géneros de la radio de hoy. Su micrófono recogió en directo la llegada de la Segunda República, y ni un solo día faltó a la cita con los oyentes, cada vez más numerosos, durante los tres años de la Guerra Civil. Este libro cuenta la peripecia de Unión Radio, reconstruye su programación, los momentos trascendentales que narró y las anécdotas cotidianas. En suma, recupera su memoria y su nombre para la historia de la radio española.
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[descripcion_libro] => Las imágenes distan de ser transparentes, están plagadas de sobreentendidos y códigos, tienen etimologías, dialectos y jergas. La visión no es solo un fenómeno óptico, implica también pactos y procesos sociales. La adopción de hormas mentales derivadas de la perspectiva renacentista o el empleo de artefactos como la cámara oscura o la linterna mágica estuvieron cargados de consecuencias. Y la enunciación de la mirada contemporánea supone suscribir, consciente o inconscientemente, un complejo aluvión de atavismos asentados en nuestro ADN cultural, desde Altamira hasta la Capilla Sixtina o las actuales pinturas callejeras.
Este libro, profusamente ilustrado, muestra algunos de esos itinerarios. Por sus páginas desfilan Leonardo, Brueghel, El Bosco, El Greco, Rembrandt y Arcimboldo; Cervantes y Borges; Goya y Solana; Einstein, Escher y Moebius; Eisenstein, Orson Welles, Hitchcock, Pasolini, Godard, Buñuel y Dalí. Pero también otros eslabones menos conocidos, que han configurado nuestra vivencia espaciotemporal y hoy nos permiten trasvasar a las tramas audiovisuales las últimas teorías sobre el cosmos.
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[descripcion_libro] => Este libro es algo más que una biografía de Alberto Closas. Pretende, en primer lugar, subsanar la inexistencia de una recopilación exhaustiva de su actividad teatral y cinematográfica, así como aclarar cuál fue su origen, ya que mucha gente le cree nacido en Madrid o incluso en Argentina. En segundo lugar, reivindicar la memoria de su padre, Rafael Closas, comprometido con la causa republicana desde varios puestos de responsabilidad en la Generalitat de Catalunya bajo la presidencia de Francesc Macià, hasta el de Conseller en el último gobierno de Lluís Companys en 1938. Ese fue el detonante que provocó el exilio de toda la familia a Francia, en enero de 1939, y posteriormente el de los dos hermanos mayores a Argentina desde París. Su labor se desarrolló siempre en la sombra, lejos de la notoriedad pública. Y su memoria no debe perderse lentamente entre el olvido y la melancolía.
Esta es, pues, también una historia del exilio que padeció una familia que, como tantas otras, sufrió la derrota que, tras la Guerra Civil, dispersó como un vendaval a tantos habitantes de un país dividido y humillado en el que, en realidad, todos perdieron. En este caso, para uno de sus miembros por lo menos, Alberto Closas, el éxito acompañó su deambular y acabó como una historia de triunfos y reconocimientos.
La magnitud del archivo familiar ha permitido a los sobrinos Francis y Silvia la reconstrucción de un período histórico de una ciudad y de un país y entresacar lo mejor de las personas y los personajes, dibujando con sus luces, y también con algunas de sus sombras, un retrato lo más exacto posible de un hombre y su circunstancia, particular y común, propia e intransferible, especial y general. Una vida más, ni más ni tampoco menos.
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¿Qué lugar debería ocupar la cultura en la televisión pública en un contexto de liberalización del sector audiovisual cada vez más volcado en el entretenimiento, la sobreinformación inabarcable y la desinformación interesada? A partir del estudio de caso de \"La aventura del saber\" (una experiencia de emisión ininterrumpida de televisión educativa que dura ya más de 25 años), el autor aborda esta cuestión, proponiendo posibles caminos de programación de parrilla en el mundo digital en que nos desenvolvemos.
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El presente volumen verifica el ingente trabajo de no pocos años previo a la fase de escritura, compuesto de visionados, audiciones, lecturas, consultas, entrevistas, viajes, búsquedas diversas, paciente confrontación de datos... Brota de una intensa pasión de los autores por el flamenco, por el cine..., y por el flamenco en el cine. Esta pasión ha creado y determinado el libro, cuya naturaleza aúna la obra de consulta con el ensayo, al abrigo de esta música
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Pero, al objetivo más evidente de ofrecer un manual de apoyo susceptible de ser utilizado en estas etapas formativas, cabe añadir lo que podríamos denominar una \"pedagogía de la mirada\". Porque, en un mundo saturado de imágenes, poner a disposición del lector casi medio centenar de ejercicios de análisis concretos contribuirá a que desarrolle una mirada más aguda y competente, a que sea más consciente de los mecanismos de manipulación y seducción que subyacen a todo discurso. Se trata no solo de establecer lo que una película dice, sino, también, de determinar cómo dice lo que dice. De ahí la doble aspiración última del libro: aprender viendo cine, aprender a ver cine.
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Pero este libro se propone reflexionar acerca de las relaciones entre la ópera y las pantallas no cinematográficas: la televisión, el vídeo, el DVD, el BluRay; las transmisiones en directo en salas de cine, en los ordenadores domésticos o en las redes sociales que se consumen a diario. Estos son algunos de los soportes o medios que sustentan la vigencia y el consumo de la ópera, más de cuatrocientos años después de su surgimiento a finales de la era renacentista.
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[descripcion_libro] => A lo largo de su dilatada historia, la utopía concibió modelos sociales que se sabían ambivalentes e irrealizables porque, desde su mismo origen, las contradicciones han de formar parte de la esencia de todo paisaje utópico. Sometida a sus dogmas incuestionables, la utopía se pervierte y se transforma en distopía, aunque con frecuencia resulta difícil establecer las fronteras entre una y otra.
Partiendo de los modelos clásicos de Huxley y Orwell, en un itinerario que nos llevará desde \"Metrópolis\" hasta el OASIS de \"Ready Player One\", el presente volumen notificará, a partir de una variada selección filmográfica, el fracaso de estos modelos de sociedad rígidos y reglamentados. Recuperar el pensamiento utópico hoy supone enfrentarlo con los problemas de nuestro tiempo en un mundo real donde individuo y comunidad puedan convivir sin fricciones. El cine contribuye poderosamente a mantener vivo este relato, pues uno y otro se sitúan bajo el mismo entorno del sueño.
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Al cuestionar la concepción del presente como un espacio liso y aproblemático, estas obras abren grietas, como quería Walter Benjamin, en la homogeneidad de la historia. Y en la de la propia escritura de este ensayo.
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[descripcion_libro] => Hablar de valores es interesarse por la relación del sujeto con el mundo: el mundo objetivo (los objetos materiales), el mundo social (el otro, la realidad humana) y el mundo subjetivo e inmaterial (la conciencia: el cómo percibo el universo de valores en el que vivo). Indica nuevos \"modos de sentir\", con su reverso, lo que he llamado el \"sin sentir\".
El cine actual exacerba estas mutaciones porque da cabida a todos los imaginarios, abre la puerta a los deseos, hasta a veces los más inconfesables, es a menudo un instrumento de cuestionamiento y refleja una profunda crisis de valores: el \"presentismo\" (el volcarse en el inmediato presente), el miedo al futuro que se traduce en visiones postapocalípticas, el redescubrimiento del cuerpo y su exploración extrema, los cambios en lo que respecta a la pareja, el \"neo-existencialismo\" que se manifiesta mediante estados de supervivencia, resistencia pasiva, crisis de los treinta, la revisión de valores y mitos colectivos que sirvieron de cimiento del sueño americano, la asunción del horror como parte de la realidad humana y nuevo territorio identitario, los juegos con la verdad (lo que fundamenta los valores).
Esta crisis refleja una \"volatilización\" de los valores (que sean más cuestionables, relativos y mutables), en especial dentro de lo que he llamado el cine posmoderno, que surge en las dos últimas décadas: un cine más allá del \"buen decir\" (lo políticamente correcto) y del \"bien mostrar\" (lo estéticamente correcto).
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[descripcion_libro] => Siempre que hay mediación tecnológica solo existe, en términos de relato audiovisual, la parte de realidad que puede ser captada con los medios disponibles. La técnica determina también qué entendemos por realidad y qué realidad puede ser documentada y mostrada.
La realidad es muda o bien habla demasiado, pero no sobre lo verdaderamente relevante. Hay que sacarle las palabras a la fuerza. No nos referimos solo a plantear las preguntas adecuadas a las personas adecuadas, que normalmente no tienen el más mínimo interés en desvelar información sensible. A la realidad se le hace hablar también mediante la edición y la narración, por no referirnos a la propia lógica de un dispositivo tecnológico culturalmente condicionado. A este ensamblaje de fragmentos lo denominaba Abraham Moles \"creatividad\". Por eso el escocés John Grierson, uno de los primeros y más influyentes documentalistas de la historia del cine, definía el documental como el tratamiento creativo de la realidad.
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[descripcion_libro] => Una mirada por los más de setenta años y varios cientos de tebeos y cómics sobre la guerra civil española nos recuerda cómo este periodo histórico ha estado y sigue estando presente en el corazón de muchos, en España y en el exterior. También nos muestra cómo la rememoran diversas sociedades, países en distintas épocas y la enorme variedad de sus recuerdos. Cada historieta es a la vez un relato de historia y un objeto histórico, cada una de ellas habla de la contienda pero también, según el momento de escritura, de la España de la Transición o de la España de hoy, o de la Argentina recién salida de sus años negros o de la identidad de los descendientes de los exiliados en Francia. Unas historietas pretenden solo contarnos la guerra y otras, a través de su evocación, hacernos reflexionar, emocionarnos o movilizarnos. Algunas consideran su combate legítimo y otras la ven como un desastre que ninguna razón puede justificar. Algunas buscan ante todo cerrar las heridas del pasado y otras consideran que las fracturas de la guerra se prolongan en otras contemporáneas.
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[descripcion_libro] => Michael Cimino es un cineasta de genio, uno de los más brillantes y radicales directores de la historia del cine. También uno de los más incomprendidos y vilipendiados por la crítica institucional. Su mundo es delicado y duro al mismo tiempo, inocente y bárbaro, tierno y brutal, y de ese desequilibrio no desiste. Basta con ver a sus personajes y la puesta en escena para percatarse del omnipresente \"tour de force\" que atraviesa su filmografía: lo que Bataille denominaba \"violencia\".
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[descripcion_libro] => Nanni Moretti (1953) es una de las figuras más complejas e inclasificables del cine italiano contemporáneo. Su producción está a medio camino entre las herencias de la modernidad, el documental político, el melodrama clásico y el cine-ensayo más personal. Este estudio pretende, por lo tanto, seguir el movimiento de su filmografía, sus dudas, sus conquistas, sus apuestas y la manera en la que ha explorado los límites de su propia escritura. Se trata, pues, de prescindir de las anécdotas para explorar sus estructuras, sus encuadres o su uso del montaje.
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Obra singular en la bibliografía cinematográfica española (que contempla de modo particular la producción nacional), constituye un libro imprescindible para todos aquellos relacionados con el Cine, en el arco comprendido desde el aficionado hasta el profesional.
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[descripcion_libro] => Este libro no tiene antecedentes en la bibliografía española, por lo que ha de convertirse, sin duda alguna, en un referente obligado para cualquier lector interesado en la historia de la televisión. Hasta este momento no se había abordado de modo sistemático y completo la investigación de la programación y de los programas televisivos en España. Los espectadores que visionaban aquella televisión que empezó a emitir en 1956 y que, recordemos, era la única para toda España, fueron construyendo su imaginario con las imágenes que presentaba su receptor de los avatares de aquellos años. Todo ello pertenece ya a su memoria y su biografía. Las aportaciones que componen este volumen responden a un trabajo de investigación sistemático y riguroso. Con él se rompe también el mito de la falta de fuentes para construir la historia del origen y primer desarrollo de la televisión. Se han consultado los abundantes fondos documentales del Archivo de la Administración de Alcalá de Henares, se han visionado las inabarcables grabaciones de programas y publicidad que se conservan en Prado del Rey, se han revisado muchas de las muy abundantes referencias de la prensa generalista y las revistas especializadas; por no hablar de archivos particulares, memorias y entrevistas a protagonistas.
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[descripcion_libro] => Durante estas últimas décadas, los estudios críticos sobre el cineasta Luis Buñuel (1900-1983) han dependido de un número limitado de fuentes primarias -sus memorias y libros de conversaciones- que, con mejor o peor suerte, han marcado el estado actual de nuestro conocimiento sobre su obra. Frente a dicha tendencia, \"Correspondencia escogida\" ofrece una nueva fuente de información original al presentar casi un millar de cartas escritas y recibidas por Buñuel a lo largo de su extensa trayectoria profesional. Jo Evans y Breixo Viejo no solo han compilado, debidamente anotadas, las cartas del cineasta que hasta ahora se habían publicado de forma dispersa, sino que han seleccionado además cientos de misivas inéditas, procedentes de archivos públicos y privados en España, Francia, Italia, Inglaterra, México y Estados Unidos. A través de su epistolario, la figura de Buñuel reaparece aquí con voz propia y bajo una nueva perspectiva que se aleja por igual de anécdotas estereotipadas y falsas mitomanías.
El cineasta se presenta como protagonista principal del cine poético y transgresor de su tiempo, desde \"Un perro andaluz\" (1929) hasta \"Ese oscuro objeto del deseo\" (1977), a través de geografías y sistemas de producción muy diversos. Pero este Buñuel epistolar es, además, interlocutor privilegiado de un grupo de creadores -directores, productores, actores, guionistas- con los que intercambia esenciales reflexiones sobre el arte cinematográfico: es dicho carácter polifónico de \"Correspondencia escogida\" el que, paradójicamente, desafía el enfoque individualista al que nos tiene acostumbrados la teoría del autor.
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[descripcion_libro] => Las mujeres que constituyen la materia de este libro fueron las estrellas femeninas más importantes de las cinematografías española, italiana y alemana, durante los años de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), en los que el nuevo régimen totalitario en España coexiste con el nazismo alemán y el fascismo italiano. En las tres dictaduras, la censura ejerció un severo control no solo sobre los contenidos políticos, sino también sobre el erotismo y la sexualidad. Las \"stars\" femeninas de los fascismos trabajaron en connivencia, más o menos explícita, con la ideología de los Estados en los que desarrollaron su filmografía, pero su cuerpo habló (desde las imágenes) ofreciendo mensajes a menudo contradictorios con la moral imperante.
Este libro propone un estudio de la gestualidad de dichos cuerpos, y se interroga sobre la tensión subyacente entre feminidad servil y feminidad liberada, entre sexualidad negada y afirmación erótica. A lo largo de sus páginas, se desgrana con minuciosidad la relación entre actuación e imaginario erótico en las filmografías de Imperio Argentina, Estrellita Castro, Ana Mariscal, Conchita Montenegro, Conchita Montes, Mercedes Vecino y Amparo Rivelles para la cinematografía española; Clara Calamai, Luisa Ferida, Anna Magnani, Isa Miranda, Assia Noris y Alida Valli en el contexto italiano, y Zarah Leander, Marika Rökk y Kristina Söderbaum para el caso alemán.
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[descripcion_libro] => Entre las aficiones del que se autoproclamara Caudillo de España -la caza y la pesca o, en los últimos años, también la televisión-, destaca una mucho menos conocida por los ciudadanos del país: el cine. Sin embargo, es sabido que entre 1946 y 1975 visionó cerca de 2.000 películas en el Palacio de El Pardo: dos largometrajes comerciales por semana, junto a varios números del noticiario NO-DO -en muchos de los cuales él mismo era protagonista- y otros documentales. Podemos hacer un recuento de todas las sesiones cinematográficas privadas llevadas a cabo entre esos años gracias a las tarjetas-invitaciones que se imprimieron. Existen 2.037 y solo en 16 se indica que fueron suspendidas por enfermedad o algún compromiso protocolario. Franco tuvo el privilegio de visionar algunas películas que aún no habían sido censuradas e incluso un par de ellas que no fueron proyectadas comercialmente en las salas de cine: \"Christopher Columbus\" (1949), de David MacDonald, película inglesa que tuvo su \"réplica\" con \"Alba de América\" (Juan de Orduña, 1951), y la célebre \"Viridiana\" (1961), de Luis Buñuel.
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Este libro reflexiona en torno a ese medio de dos dimensiones, que en su sofisticación consigue representar hasta cuatro, contando las del espacio y el tiempo. Es un viaje con paradas tanto en el clásico popular del número 13 de la \"Rue del Percebe\" como en las páginas medievales de los \"Beatos\", que se detiene a mirar cómics realizados por arquitectos o arquitectura concebida por autores de viñeta, que compendia teorías que desentrañan este medio gráfico y cierra con un catálogo de estrategias para contar historias mientras se dibujan ventanas o escaleras.
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Pensada por la antigüedad clásica como una patología causada por la presencia en el cuerpo humano de la bilis negra, asociada por algunos autores modernos a una tristeza vaga y permanente capaz de suspender cualquier interés del sujeto hacia el mundo exterior, hoy vemos a la \"melancolía\" como una \"auténtica enfermedad cultural\", como una \"irremplazable metáfora heurística\" (Yves Hersant) para comprender tanto el pasado como los agitados tiempos que vivimos. ¿Debe sorprendernos, por tanto, que la \"melancolía\" haya encontrado caldo de cultivo preferente en el que ha sido el arte del siglo XX?
En este volumen se recogen, desde Europa hasta América sin desdeñar los confines de Bengala o Japón, algunas muestras señeras que adopta el pensamiento fílmico cuando se apropia del citado concepto. Con el fin de mostrar que \"cine y melancolía\" forman una pareja indisoluble.
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[descripcion_libro] => El de Ridley Scott es, en principio, un caso poco común en la historia del cine. Su filmografía (con 23 títulos, hasta el momento) cuenta con dos obras, \"Alien, el octavo pasajero\" (1979) y \"Blade Runner\" (1982), cuya fama, éxito y calidad artística han superado e, incluso, sobrepasado a su propio director. Mientras que el resto de sus películas apenas ha despertado el interés de los historiadores. Y eso a pesar de ser títulos de la calidad de \"Los duelistas\" (1977), \"Thelma & Louise\" (1991), \"Gladiator\" (2000), \"El reino de los cielos\" (2005) o \"American Gangster\" (2007). O tal vez, porque también es autor de otros films de dudosa maestría, como \"Black Rain\" (1989), \"La teniente O\'Neil\" (1997) o \"Un buen año\" (2006).
En definitiva, nos encontramos ante una carrera amplia y variada, con algunos altibajos y alguna que otra obra poco acertada, pero que, en líneas generales, nos presenta a uno de los directores más personales e interesantes del cine contemporáneo. Ya por sí sola esta dicotomía lo hace, a nuestro entender, un cineasta absolutamente relevante a la hora de adentrarnos en su cine con la intención de analizarlo en profundidad y darle forma a este estudio sobre su obra.
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Jano bifronte, De Sica se disocia primero en galán teatral y cineasta comprometido, para escindirse más adelante en artífice de productos de prestigio internacional avalados con cuatro premios Oscar y películas populares protagonizadas por Sofia Loren y Marcello Mastroianni. El presente estudio analiza su filmografía como director sin olvidar las otras facetas de su trabajo, ofreciendo una visión poliédrica de uno de los mayores hombres del espectáculo de la Europa del siglo XX.
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[descripcion_libro] => Anthony Mann, de verdadero nombre Emil Anton Bundsman, fue hijo de emigrantes judíos alemanes en los Estados Unidos dedicados a la enseñanza. Formado en los ideales del trascendentalismo germano, va trasplantando ese bagaje a la dirección de cine de forma espontánea, casi irreflexiva, cuando vencidos todos los desafíos técnicos y profesionales, se convierte en un director de éxito durante la década de los cincuenta. Su valoración de los espacios en los encuadres y las dialécticas de ocupación y desocupación del vacío, casi constantemente ligadas a una concepción en vistas amplias de sus escenografías (ya interiores, ya exteriores), le convierten en uno de los grandes referentes audiovisuales del siglo XX.
Una dramaturgia seca y concisa, desencantada y muy crítica, aflora de sus mejores películas. Incómodo con una sociedad en la que los valores más apreciados se alejan del \"trascender para renunciar a lo negativo en uno y alcanzar la plenitud del ser\", Mann se decanta por la tragedia y por la denuncia de la insolidaridad que el capitalismo abyecto deja caer sobre el individuo.
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[descripcion_libro] => Es costumbre afirmar que la Historia es la sustancia que anima las películas de Theo Angelopoulos (1935-2012). La de su país, Grecia, en primer lugar, y por extensión también la de Europa. De ello son buenos ejemplos títulos como \"Días del 36\" (1972), \"El viaje de los comediantes\" (1974-1975), \"Los cazadores\" (1977), \"La mirada de Ulises\" (1995), \"Eleni\" (2003) y \"El polvo del tiempo\" (2008), este último desdichadamente aún sin estrenar entre nosotros. El resto de sus títulos, por el contrario, no verifica tal aserto. Ni \"Reconstrucción\" (1970), su primer largometraje, ni \"Alejandro el Grande\" (1980), \"Viaje a Citera\" (1984), \"El apicultor\" (1986), \"Paisaje en la niebla\" (1988), \"El paso suspendido de la cigüeña\" (1991) o \"La eternidad y un día\" (1988) la incluyen como elemento decisivo. Apreciar las diferencias entre uno y otro segmento de su filmografía es uno de los objetivos de este trabajo. Su obra representa una de las cumbres de la modernidad cinematográfica alumbrada inmediatamente después de mayo del 68, y hace del plano secuencia y la amalgama de tiempos dos de sus características mayores.
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[descripcion_libro] => Los videojuegos son una de las industrias culturales y de ocio más importantes del mundo. Lejos de ser meros juguetes infantiles, los actuales juegos digitales se asemejan al cine y a la literatura en su capacidad para evocar mundos de ficción complejos e inmersivos. De esta manera, los mundos ficcionales de los medios tradicionales se transforman en el videojuego en mundos ludoficcionales, espacios ricos en personajes y emociones que se ven especialmente afectados por la intervención de un jugador.
A partir de juegos tan significativos como \"Portal 2\" o \"Alan Wake\", este libro analiza cómo se crean estos mundos, desde su estructura hasta el diseño de personajes, sin olvidar la relevancia de las acciones ni la eclosión de las emociones para mostrar la complejidad y los límites del diseño de los videojuegos contemporáneos. De este modo, los mundos ludoficcionales consiguen transportarnos a otras realidades virtuales que superan la mera narración lineal de una historia.
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A partir de juegos tan significativos como Portal 2 o Alan Wake, este libro analiza cómo se crean estos mundos, desde su estructura hasta el diseño de personajes, sin olvidar la relevancia de las acciones ni la eclosión de las emociones para mostrar la complejidad y los límites del diseño de los videojuegos contemporáneos. De este modo, los mundos ludoficcionales consiguen transportarnos a otras realidades virtuales que superan la mera narración lineal de una historia.
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[descripcion_libro] => Un libro extraordinario en el panorama mundial que desglosa mediante múltiples entradas descriptivas ordenadas alfabéticamente la relación entre cine y jazz desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, tras un prólogo donde se describe la evolución estético-cronológica de estas dos expresiones artísticas que alcanzaron la respetabilidad cultural al unísono.
El texto va acompañado de un útil índice onomástico y cientos de ilustraciones diversas, en color y blanco y negro (fotos y carteles de películas, instantáneas de actuaciones, retratos de músicos y cineastas, portadas de discos, fachadas de clubs y salas, etc.).
Nieto de un músico astorgano que había tocado en salas durante el período del cine mudo y después regentó cines, el madrileño Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Cuenta con una docena de premios, y sumando autorías individuales, compartidas y colectivas a lo largo de veinticinco años, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania, de los cuales el más célebre es la \"Guía del Cine\".
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[descripcion_libro] => Guionista en la Warner durante diez años, Robert Rossen (Nueva York, 1908-1966) fue pionero en luchar por la independencia creativa, lo que le llevó a convertirse también en director y productor de sus películas. El olvido al que ha sido sometida la obra de Rossen transfigura la historia del cine no otorgándole la posición fundamental que debería ocupar en el cine universal. Figura central en la definición del cine social y del \"noir\" durante las décadas de los cuarenta y cincuenta, será el renovador del cine norteamericano en los sesenta y el pionero en introducir las formas del nuevo cine europeo, representado por Bergman o Fellini, en los Estados Unidos. La experiencia vital y su compromiso ideológico serán sus motores creativos en una obra en la que la honestidad intelectual, el rigor y la brillantez visual se dan la mano para conmovernos y enfrentarnos a las preguntas esenciales que todo hombre habría de hacerse confrontado a la sociedad.
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[descripcion_libro] => Para los amantes de la ópera en nuestro país, el nombre de José Luis Téllez y su enciclopédico conocimiento del tema no suponen ninguna novedad. Pero sus reflexiones, aunque más abundantes en ese terreno, no se han ceñido a lo largo de años a este tema, sino que se han centrado en territorios más amplios, de contenido estrictamente teórico, en torno al discurso musical \"tout court\" y, sobre todo, en el análisis de la función narratológica de esa tipología específica que conocemos como \"música de cine\".
El presente volumen recoge trabajos elaborados en casi un cuarto de siglo. No se trata del trabajo intelectual de alguien interesado en muchas cosas diferentes, sino de quien se plantea problemas epistemológicos de fondo, aunando conocimientos de teoría del discurso, de historia de la música, de teoría e historia del cine y de teoría política. Porque sus textos siempre han sido de intervención simultánea en todos esos terrenos, aunque nada de eso haya ayudado precisamente al conocimiento masivo de un pensamiento crítico que lo merece, por méritos propios, como pocos en nuestro contexto.
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Director de culto para algunos, incapaz de contar una historia de forma visual para otros, lo cierto es que en Burton encontramos uno de los mejores ejemplos de lo que se ha dado en llamar \"autoría posmoderna\", etiqueta donde se engloban cineastas como los hermanos Coen, Tarantino, Cronenberg o David Lynch.
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Desde que en 1998 se publicara por primera vez, año a año, edición tras edición, este libro que tiene en las manos se ha ido actualizando, corrigiendo y ha experimentado pequeños cambios. Sin embargo, esta sexta edición que ahora les presentamos es un libro nuevo, totalmente actualizado y reescrito por completo. Hemos modificado su estructura interna, rejuveneciéndolo y mejorándolo hasta hacer de él un libro distinto y mucho más equilibrado.
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[descripcion_libro] => Este volumen busca interrelacionar el medio televisivo con la transición democrática, ese tiempo histórico en que se fragmenta la historia de España del siglo xx y cuya valoración, positiva o negativa, suscita apasionados debates. La finalidad más inmediata es preguntarse sobre el papel que desempeñó TVE en los procesos políticos sociales y culturales que recorren el paso desde el régimen político dictatorial del franquismo a otro de libertades públicas (1974-1981). Pero también se trata de resolver una paradoja: cómo es posible que si bien durante la Transición TVE estuvo siempre al servicio de los intereses del poder político, al mismo tiempo por muchos resquicios se colaran en la programación todo tipo de espacios que, incluso en ocasiones, iban frontalmente en contra de los presupuestos ideológicos de la misma dirección. Finalmente, se trata de valorar si la televisión española fue freno o acelerador de los cambios, así como su capacidad para crear a través de sus programas un espacio público democrático. Como en tantos otros aspectos relacionados con la televisión, es difícil que lleguemos a un acuerdo; lo que no es óbice para que estas páginas se conciban como una manera de ayudar a dar respuestas.
En el documental que acompaña este libro, titulado «Las lágrimas del presidente» (perteneciente a la serie «Archivos Tema», dirigida por Yolanda Villaluenga), se muestra la importancia de Televisión Española, que no sólo fue testigo de la Transición, sino también un actor fundamental de este proceso histórico al inculcar en la sociedad valores democráticos. A través de fragmentos significativos de programas de la época, se analizan los aspectos ideológicos (introducidos de forma evidente o sutil) en los programas televisivos. Historiadores, comunicólogos y periodistas aportan su opinión sobre cómo se contó la Transición en la pequeña pantalla y cómo esta representación ha influido en la imagen que tenemos de la misma los españoles.
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[descripcion_libro] => El cine es una de las muchas disciplinas artísticas que ha cultivado Alejandro Jodorowsky desde hace más de sesenta años. Personaje proteico, escritor (novelista, ensayista, dramaturgo...), autor y guionista de cómics, director de teatro y de cine de culto, actor, poeta por encima de todo, su escueta filmografía -iniciada tempranamente en 1957- es una rarísima y grata anomalía en la historia del cine. Siete films constituyen un universo creativo propio, en donde lo metafísico y lo terapéutico se dan la mano, en el que lo trascendental e iniciático se expresan mediante un complejo entramado de símbolos. Deudor del Movimiento Pánico, que él mismo creó en París en 1962, sus películas -«Fando y Lis», «El topo», «The Holy Mountain» o «Santa sangre»- son ejemplos notables de cine simbólico, poético y vanguardista, influido por el Surrealismo y la contracultura, por Cocteau, Buñuel, Fellini o Tod Browning. Muy seguido por exigentes cinéfilos en América, Europa -especialmente Francia, su país de adopción- y Japón, por ignotos motivos el cine jodorowskiano no ha sido todavía divulgado ni valorado en España como se merece, labor que este libro trata de subsanar.
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Sobre todos ellos han posado Joel y Ethan su particular mirada (aderezada de un inigualable humor y una tendencia a lo grotesco cada vez más depurada) con la intención de buscar el sentido oculto tras las apariencias y desvelar la cara amarga del sueño americano que el cine de su país se encargó de alimentar. Siguiendo esta deriva, su cámara ha recorrido toda la geografía de los Estados Unidos desde Texas y Arizona hasta el Misisipi o Minnesota, pasando por Washington y Nueva York, dejando a su paso una inolvidable galería de personajes y de películas no tan heterogéneas como pudiera parecer a primera vista.
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[descripcion_libro] => De Aki Kaurismäki (1957), cineasta finlandés de prolija filmografía, puede decirse, sin exagerar, que es una rara avis en los dominios cinematográficos. Meciéndose dulcemente entre el estilizado realismo y el crudo surrealismo, sus películas son ejemplos de precisión, de economía narrativa y de un envidiable don para contar historias con las imágenes, los gestos y las palabras justas. Sus personajes, tiernos y al mismo tiempo pudorosamente inexpresivos, oscilan entre las figuras del melodrama y algún álter ego de Buster Keaton o de los Hermanos Marx.
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[descripcion_libro] => Aunque sólo les separan 14 años de edad, Robert Zemeckis es, sin duda, el más aventajado de los discípulos de Steven Spielberg. Autor de una de las trilogías más famosas de la historia del cine («Regreso al futuro»), de una obra emblemática del cine de animación («¿Quién engañó a Roger Rabbit?») y de una de las más importantes películas de la década de los noventa («Forrest Gump»), durante los últimos años de su carrera se embarcó en una muy desigual y algo decepcionante aventura digital («Polar Express», «Beowulf» y «Cuento de Navidad») que, sin embargo, no lo ha desacreditado como una de las más grandes figuras del cine contemporáneo. Este libro es una buena prueba de ello.
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[descripcion_libro] => José Luis Castro -profesor del Departamento de Arte de la Universidad de Vigo- asegura que todavía queda mucho campo en el estudio de la obra de Alfred Hitchcock y su influencia en la evolución del lenguaje del cine desde su llegada a Hollywood en 1939 contratado por David O\'Selznick. Pero para comprenderlo, explica Castro, hay que remontarse a la etapa británica del director -quizá algo relegada en otros análisis-, donde ya se encuentra el origen de algunas de sus constantes semánticas y estilísticas. Y no hay que perder de vista el momento histórico en el que se desarrolla su obra. Con estos dos puntos siempre presentes, el autor profundiza en el lenguaje de este maestro del cine, a la vez que lo sitúa en el contexto en el que se formó y evolucionó.
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[descripcion_libro] => Grandes autores de la novela gráfica actual como Art Spiegelman, Chris Ware, Eddie Campbell o Seth han reclamado la importancia de aquellas páginas publicadas en la prensa en las primeras décadas del siglo XX. Winsor McCay, Frank King, George Herriman o Will Eisner no sólo fueron pioneros en la exploración de un lenguaje que estaba buscando su identidad, sino que, además, gozaron de la aprobación popular. Aquellas historias, devoradas con fruición por miles de personas, fueron también una vanguardia que sigue siendo la inspiración de los creadores más arriesgados. Es hora de abordar sus secretos gráficos y sus logros estéticos.
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[descripcion_libro] => En Francia, Alice Guy Blaché comienza su carrera en 1896, Elvira Notari lo hace en Italia en 1905 y en 1909 funda, junto a su marido, el primer estudio cinematográfico. La directora sueca Anna Hofman-Uddgren era propietaria del Stockholm Music Hall y ya proyectaba películas a finales del siglo XIX, y Marioara Voiculescu dirigió varias películas en Rumanía en 1913. Éstos son sólo unos ejemplos. Baste decir que Guy Blaché no sólo fue la primera directora, sino que a ella se debe la primera película narrativa hecha en la historia del cine, fue la primera propietaria de un estudio a título individual y formó a cineastas tan destacados como la americana Lois Weber y los franceses Louis Feuillade o Ferdinand Zecca.
El «Diccionario crítico de directoras de cine europeas» surge como una necesidad de rescatar del olvido y hacer visibles a las directoras y sus obras. Abarca a todas las directoras nacidas en Europa y a aquellas otras que, aunque nacidas en otros lugares, han consolidado sus carreras en el continente europeo o entre su país de origen y el de acogida. Se trata de sistematizar de manera crítica la información existente desde los comienzos del cine a finales del siglo XIX hasta 2009.
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[descripcion_libro] => Tod Browning es uno de los grandes cineastas de principios del siglo XX. Aunque a menudo se le ha querido etiquetar, e infravalorar por ciertos círculos cinéfilos, como director de cine de terror, una mirada atenta a sus películas demuestra que no se limita a manejar con soltura los elementos artesanales afines al género, sino que hay en él una profunda preocupación humana, una visión existencialista casi siempre desgarradora. Aunque perdida en buena parte, la filmografía de Browning ofrece claves suficientes para dilucidar sus intenciones como creador.
Con una biografía rica en vivencias extravagantes, Tod Browning sigue siendo hoy un hombre enigmático. Su obra, pesimista, repleta de seres deformes (física y mentalmente), atormentados y solitarios, cargada de dolor y rabia, se revela como una de las más personales, auténticas e irrepetibles de las que haya dado nunca el cine norteamericano.
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[descripcion_libro] => Esta selección de «300 directores malditos» -aquellos que, por múltiples razones, no gozan del prestigio que merecen- está llena de cineastas que han destacado en otras actividades, pero como realizadores de cine han sobresalido menos. Olvidados directores de cine mudo, directores que empiezan bien y acaban mal, directores artesanos con una única obra maestra entre su larga e irregular filmografía, directores que mueren cuando sus películas comienzan a ser buenas, directores con mala suerte, directores norteamericanos represaliados por el senador Joseph MacCarthy para acabar con los comunistas en Hollywood, directores de países comunistas del este europeo perseguidos por la larga mano del camarada Iosif Stalin, directores prometedores de corta carrera y un largo etcétera de poco conocidos, menospreciados o ignorados directores africanos y asiáticos.
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[descripcion_libro] => Entre 1951 y 1959, cierto cine español -habitado desde el periodo mudo por personajes populares, sainetescos y zarzueleros- afrontará un proceso de crispación y distanciamiento de la mirada, un camino hacia una intransferible y reflexiva modernidad grotesca y esperpéntica, similar en cierto sentido a la llevada a cabo en su tiempo por artistas y escritores como Francisco de Goya o Ramón María del Valle-Inclán. Pese a que la culminación de tan crucial transformación ética y estética -iniciada ya embrionariamente en la obra fílmica de Edgar Neville- sólo se alcanzará a comienzos de los años sesenta, su despegue puede aislarse casi literalmente en «Esa pareja feliz» (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951) y tiene mojones de excepcional importancia en títulos señeros de José Antonio Nieves Conde o Manuel Mur Oti. «Del sainete al esperpento» trata de sacar a la luz las huellas de esa crispada mirada ibérica que, desde arriba y con rabia, distorsiona los rasgos del mundo inicialmente costumbrista que observa para mejor mostrar, así y «de nuevo», la triste realidad española.
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[descripcion_libro] => Dos grandes interpretaciones suelen manejarse para explicar la peculiar carrera cinematográfica de Orson Welles (1915-1985): una, la que lo presenta como un artista incomprendido y genial, víctima propiciatoria de un sistema incapaz de albergar a cualquiera cuyas ideas excedan de los rígidos límites marcados por las convenciones instituidas por los estudios de Hollywood; otra, la que subraya su carácter de irresponsable cultivador de aventuras cinematográficas imposibles. Una adecuada comprensión de la obra de Welles (lo mismo la acabada que la inacabada, que son las dos caras de un Jano bifronte y a las que este volumen dedica la necesaria atención) requiere no sólo tener en cuenta la relación complementaria que se establece entre ambas dimensiones de su trabajo, sino reconocer que Welles pertenecía a una raza de artistas melancólicos para los que el inacabamiento forma parte inseparable de su dimensión creativa.
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El objetivo de este libro es el de procurar la adquisición de destrezas orales y de un buen dominio de la propia voz siguiendo los pasos que nos señalan las autoras, dos acreditadas profesionales de los medios y de la enseñanza universitaria. Pero lo más señalado de este viaje que combina voces, experiencias y trucos es que resulta entretenido, útil y competente. Una excelente guía para leer, hablar y escuchar mejor.
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\"Si la historia política de las últimas décadas ha hecho creer a los jóvenes que cualquier tiempo pasado fue peor, el hecho de olvidar el arte, la cultura y la diversión de esas épocas no tan lejanas no puede sino incrementar la ignorancia del público, contribuir a una peligrosa indiferencia\".
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[descripcion_libro] => Tras popularizarse gracias a protagonizar tres brillantes e innovadores «westerns» de Sergio Leone, Clint Eastwood decidió hacer su propio cine, aunando facetas (productor, actor y director, primero; músico, después). Desde entonces, su filmografía significa una estimulante anomalía en el Hollywood de los cuatro últimos decenios, puesto que, cultivando la producción de género, Eastwood se ha revelado un autor pleno, cuya obra brinda un purísimo discurso en primera persona, rico y progresivamente sustancioso, magnificado por una trayectoria extensa y su extraordinario carisma estelar.
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El presente estudio analiza la obra del director sobre el fondo de los estimulantes años veinte, de la Depresión, de la presidencia de Franklin D. Roosevelt y el «New Deal», de la Segunda Guerra Mundial y de la posguerra, hasta el fin del Hollywood clásico. El libro se fija en películas emblemáticas como «Sucedió una noche», «Caballero sin espada» o «¡Qué bello es vivir!», pero también en aquella parte más desconocida de la filmografía del director, con títulos como «The matinee idol», «Mujeres ligeras» o «La amargura del general Yen», y propone, con ello, una interpretación que va más allá de la imagen asociada a Capra como el eterno director de fábulas sobre la buena voluntad del hombre común.
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[descripcion_libro] => Como la de muchos otros cineastas, la filmografía de Oliver Stone presenta dos caras muy distintas: por un lado nos encontramos con el artista comprometido políticamente, un hombre al que podemos considerar como el cronista oficial de la historia norteamericana de los últimos cuarenta años, con películas como «Platoon», «Nacido el 4 de julio», «El cielo y la tierra», «JFK», «Nixon», «World Trade Center», «W.», o los dos documentales sobre Fidel Castro. Y, por otro lado, tenemos una serie de películas mucho menos personales o reivindicativas (que no comerciales) con las que el director ha querido alejarse diametralmente de los temas políticamente complejos que suele tratar, como «Hablando con la muerte», «The Doors», «U-Turn, giro al infierno» o «Un domingo cualquiera».
El presente libro analiza en profundidad todas y cada una de ellas. Y lo hace con el mismo rigor y seriedad que su autor ya demostró en su libro sobre Woody Allen, también publicado en esta misma colección.
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[descripcion_libro] => No todas las representaciones escritas recogidas en este volumen corresponden, en rigor, a la definición estricta de onomatopeya, por lo que es obligado señalar que en este libro hemos decidido seguir un criterio laxo, favoreciendo la inclusión sobre la exclusión y apropiándonos no sólo de las onomatopeyas puras, sino también de sus frondosos «entornos». Así, bastantes sustantivos y verbos ingleses que no ofrecen similitud acústica con el fenómeno sonoro designado se utilizan «a modo» de onomatopeyas, cuando en realidad son indicadores semánticos de una función.
A todo ello hay que añadir que el vistoso protagonismo plástico de muchas onomatopeyas, dominando por su tamaño espectacular la mayor parte del espacio de una viñeta, evacuó la posibilidad de borrarlas en las versiones traducidas a otros idiomas -a diferencia de la traducción de los diálogos inscritos en globos-, lo que exportó sus modalidades filológicas a otras culturas lingüísticas. De modo que se asistió a un fenómeno de exportación y universalización de las onomatopeyas, tanto
como a fenómenos de acomodación local o de hibridación ortográfica y fonética.
De esa inmensa riqueza, tanto plástica como semiótica, se han nutrido las páginas de este libro.
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[descripcion_libro] => Buster Keaton fue un payaso, un gran payaso. Y los grandes payasos de la historia contemporánea como Chaplin, Harold Lloyd o Rivel, lo fueron por la fidelidad que mantuvieron a la personalidad que habían inculcado a sus creaciones. El rasgo distintivo de Keaton, además de su sombrero «stetson», fue su gesto adusto, serio e impenetrable o, más concretamente, la ausencia de la risa en todas sus apariciones.
Creador de películas tan inolvidables como «El moderno Sherlock Holmes», «El navegante», «El rey de los cowboys», «El maquinista de la General» o «El cameraman», Keaton se convirtió y sigue siendo un icono de la cultura occidental.
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[descripcion_libro] => Muchos críticos de arte no ocultan que el valor de una fotografía en el campo del arte depende, simplemente, de las reglas del mercado. Pero también existen otros muchos valores atribuibles a una fotografía que se encuentran en el terreno de la más absoluta subjetividad: la capacidad de fascinar al receptor, de emocionar, de hacer sonreír, etc. Podemos constatar, pues, cómo la fotografía constituye un objeto de estudio difícil de abordar desde una perspectiva unívoca.
El propósito de este libro es, precisamente, ofrecer una metodología de análisis del texto fotográfico. Pero antes, Javier Marzal explicita, en la primera parte del libro, los presupuestos teóricos de partida y reflexiona sobre el estatuto de la fotografía. En la segunda parte se presenta un recorrido a través de las principales escuelas y corrientes metodológicas para el análisis de la imagen, para después exponer su propia propuesta de trabajo. En la tercera parte se presentan doce análisis de textos fotográficos que constituyen una aplicación práctica de la metodología de trabajo expuesta.
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Desplegar la metáfora del espejo: he aquí un buen camino para introducirse en el cine de Douglas Sirk, en su singular arte del melodrama, pero también en cierto momento de la historia del cine en el que la solidez del relato cinematográfico clásico de Hollywood había comenzado a resquebrajarse ante la aparición de las nuevas escrituras manieristas.
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[descripcion_libro] => El cine de Milos Forman siempre se ha caracterizado por su compromiso crítico con la sociedad en la que vive. No es de extrañar que formase parte de dos movimientos cinematográficos que cuestionaban severamente los poderes establecidos. En primer lugar la llamada Nueva Ola Checa que criticaba los defectos del régimen socialista. Más tarde, tras la invasión de las tropas soviéticas en 1968, se incorporó al llamado Nuevo Hollywood, cuyo momento álgido fue en los años 70, que se cuestionaba la fractura de la sociedad americana (social, racial y sexual), la intervención en Vietnam y el abuso de poder de los distintos gobiernos americanos.
Esta monografía pone al día la cinematografía del director y aporta las claves que permiten comprender la temática del cine de Forman.
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[descripcion_libro] => Ingmar Bergman, realizador cuya obra ha sido manipulada y malentendida hasta la saciedad, carecía hasta ahora de un estudio que acometiera el análisis de sus complejos mecanismos enunciativos, tarea que Juan Miguel Company, crítico y profesor universitario, culmina mediante la construcción de un modelo descriptivo estructural lo suficientemente pertinente y sencillo como para dar cuenta adecuada del funcionamiento operacional de sus películas. El libro recoge además una serie de enjundiosas opiniones de Bergman sobre sí mismo, una antología crítica y una abundante documentación gráfica.
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Así describía Eisenstein, poco antes de su muerte, el procedimiento de escritura de su autobiografía. Pero esta cita es no menos reveladora del trayecto de su escritura cinematográfica, y, seguramente, del de toda experiencia artística.
El presente volumen trata de rendir cuentas de ese trayecto: el de una de las escrituras artísticas más poderosas, y también una de las más dramáticas, que ha conocido el arte de nuestro siglo.
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Eligiendo el periodo del cine primitivo, Noël Burch se enfrenta explícitamente a los lugares comunes que en torno a la genealogía del lenguaje cinematográfico se han venido repitiendo incansablemente.
La aportación de Burch a una historia de las escrituras fílmicas, capaz de integrar junto a los vitales análisis textuales la imprescindible inscripción de estos textos en el contradictorio flujo de la historia, es una de las más relevantes de las realizadas en los últimos años.
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Eligiendo el periodo del cine primitivo, Noël Burch se enfrenta explícitamente a los lugares comunes que en torno a la genealogía del lenguaje cinematográfico se han venido repitiendo incansablemente.
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Este manual no pretende ser exhaustivo respecto al conjunto inmenso de problemas, temas, áreas de investigación derivadas del análisis de la información. Pretende esbozar un marco interpretativo general que permita pensar y analizar los procesos informativos más allá de las ideologías profesionales y de las viejas tradiciones epistemológicas como el empirismo o el estructuralismo.
El profesor Abril aborda la teoría de lainformación en el contexto de la teoría de la comunicación-cultura masiva
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[descripcion_libro] => Director, actor, guionista y productor de cine estadounidense, John Huston (1906-1987) es uno de los realizadores más prolijos, populares, sorprendentes e influyentes del cine de todos los tiempos. Y para hacer esta aseveración basta nombrar algunos títulos de su obra fílmica como «El halcón maltés» (1941), «El tesoro de Sierra Madre» (1948), «Cayo Largo» (1948), «La jungla de asfalto» (1950), «La reina de África» (1951), «Moby Dick» (1956), «Vidas rebeldes» (1961), «La noche de la iguana» (1964) o «El honor de los Prizzi» (1985), sin olvidar lo que vino a ser su verdadero testamento fílmico, «Dublineses» (1987).
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Este texto se propone navegar por las figuras distintivas del particular estilo de Antonioni, sin idolatrías de ninguna clase, buscando modos de uso, pistas de reconocimiento para proyectar algunas interrogaciones sobre nuestro presente.
La inmersión en la obra de este autor fundamental puede hacernos entender las claves de la modernidad y también de un momento en el que el cine tenía talento incluso para convenir las reglas de su propio suicidio.
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Este libro propone una interpretación de los cómics como factor cultural capaz de representar la modernidad masiva y popular del siglo XX. Para ello, describe, con varios ejemplos, el espacio de la cultura de masas en el que se forjaron los cómics y cómo la literatura, ya en siglo XIX, presintió ese nuevo pulso masivo cultural de la modernidad, y demuestra cómo algunos de los cómics españoles, cubanos, mexicanos y argentinos que surgieron entre los años 40 y 60 fueron un artefacto cultural de la modernidad que establecieron espacios de resistencia intelectual dentro de la sociedad.
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[descripcion_libro] => Jean Renoir (1894) es considerado el realizador más importante del cine francés. Hijo del pintor Renoir, se inició en el cine ya en 1924 y tuvo una larga vida como director. Destacó en las adaptaciones de obras literarias francesas. Sus films más conocidos son \"La gran ilusión\", \"El río\", \"El testamento del doctor Cordelier\", \"La regla del juego\" y \"La carroza de oro\".
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[descripcion_libro] => En este volumen, prestigiosos historiadores del cine ofrecen un riguroso estudio sobre los orígenes del cine en Estados Unidos; cómo se fue organizando la industria; cómo fueron surgiendo los géneros y analiza las primeras figuras de peso de la historia del cine americano (Blackton, Porter, Ince o Griffith).
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[descripcion_libro] => Carl Theodor Dreyer (1889-1968), famoso director de cine de origen danés, comenzó su carrera profesional como crítico teatral y periodista. Estrenó su primera película en 1919 (\"El presidente\"). En España es más conocido por \"La pasión de Juana de Arco\" y, sobre todo, por la muy alabada \"La palabra\" (Ordet). Este volumen procura salir al paso de la tópica imagen, siempre repetida, en la que ha cristalizado su figura y su obra: la de alguien básicamente religioso y trascendental, en vez de la de un minucioso cineasta muy preocupado por reflejar los problemas de individuo concreto.
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[descripcion_libro] => El presente volumen abarca un periodo tan apasionante como es el que algunos han considerado \"edad de oro\" del cine mudo: aquel en el que varios países europeos alcanzan un notable grado de desarrollo industrial; en el que el espectáculo cinematográfico está sólida y definitivamente implantado en numerosas naciones de diversos continentes; y aquel, en suma, en el que comienzan a tomar cuerpo los cinemas nacionales de países provistos de un débil desarrollo industrial y económico. Todo ello con su corolario de una maduración expresiva, genérica y lingüística cuyos ecos aún no se han apagado.
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[descripcion_libro] => El presente volumen propone una visión global del culminante papel político del cine en los años 30 y primera mitad de los 40. Los análisis pormenorizados de las cinematografías francesa, italiana, británica, alemana, soviética o española también nos sitúan ante las repercusiones nacionales de la agudización de esa función ideológica, sin olvidar por ello las aportaciones estéticas y temáticas del momento. Asimismo, se recoge un ámbito del trabajo cinematográfico como fue el cine documental, en absoluto ajeno a esa politización, pero revelador en esa época de sus mejores intenciones. El texto aborda también las cinematografías china y japonesa, que se incorporan al cine sonoro con sus propias características.
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[descripcion_libro] => ¿Cuál es el gusto, si es que existe, de este tiempo nuestro, tan confuso, frangmentado, indescifrable? Omar Calabrese cree haberlo hallado y propone para él la denominación de \"neobarroco\". Lo define como la búsqueda de formas en la que se produce una pérdida de la integridad, de la globalidad, de la sistematización ordenada, a cambio de la inestabilidad, la polidimensionalidad, la mudabilidad.
Con el presente estudio Omar Calabrese pretende buscar las huellas de la existencia de ese \"gusto\" en los objetos más dispares, desde la ciencia hasta las comunicaciones de masa, desde el arte hasta los comportamientos cotidianos.
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